LE MUSEE : tous les arts.

JACQUES HENRI LARTIGUE

BRASSAI

HENRI CARTIER BRESSON
DOISNEAU
L'ACCORDEONISTE RUE MOUFFETARD PARIS

PICASSO
LES PETITS ENFANTS VONT CHERCHER LE LAIT



.LE CADRAN SCOLAIRE

FENETRES...FENETRES...FENETRES...FENETRES










Les auteurs de ces merveilleuses fenêtres seront cités plus tard.

PATRICK CORNEE

Le lien vers sa galerie

http://www.corneegallery.com/


LOUIS TOFFOLI Voir oeuvres dans maternité

liens vers un magnifique site sur les oeuvres de TOFFOLI

Lien vers un magnifique site des oeuvres de TOFFOLI

http://louis.toffoli.free.fr/

LE CARAVAGE...LE CARAVAGE... LE CARAVAGE


La vie du Caravage Michel-Ange reste obscure. On ignore, par exemple, s'il est né à Caravaggio (Lombardie, près de Bergame où exerçait Lorenzo Lotto) ou à Milan, car bien qu'il ait passé son enfance dans la première de ces villes, son père travaillait dans la seconde à l'époque où il est né, le 29 septembre 1571.

Le Caravage subira l'influence de plusieurs courants et événements : la tradition de réalisme qui règne à Bergame, les ravages de la grande peste et la Contre Réforme.
Le Caravage entre en 1584 à l'atelier Pertanzano. A Milan, il bénéficie ensuite de la protection des Boromé, (Charles, archevêque de Milan et Frédérico). Agents de la Contre Réforme, ils ont produit des manuels d'instruction sur la représentation des images.
Grâce à Frédérico Boromé, il va à Rome et s'attire les grâces de deux mécènes, le cardinal del Monte et le cavalier d'Arpin.
En 1600, il reçoit une commande pour décorer l'Eglise Saint Louis des Français (chapelle Cantarelli) par un ensemble de tableaux illustrant la vie de Saint Matthieu.
Deux autres tableaux lui sont demandés pour l'Eglise St Maria di Populo (la conversion de St Paul et la crucifixion de St Pierre). Une dormition de la Vierge lui est commandée pour une chapelle de St Maria de la Scala . Sur l'ensemble des onze commandes religieuses qu'il a reçues , cinq ont été refusées, ce qui témoigne de la modernité sans concession de sa peinture.

En 1607, accusé d'avoir tué un certain Tomasi au cours d'une rixe, il est condamné à mort et doit fuir Rome. Il part d'abord à Naples, puis à Malte où il arrive en juillet 1607.
Il y produit une décollation de Saint Jean-Baptiste,(Le Caravage a peint toute une série de Saint Jean Baptiste )et des portraits de chevalier de Vignancourt.
En 1608, il est fait chevalier de l'ordre de Malte. Mais sa réputation le rattrape, il est emprisonné et radié de l'ordre, il fuit par la Sicile. Dès lors, il cherche à obtenir la grâce papale.
Il meurt sur une plage italienne en juillet 1610.

"C'est avec l'arrivée de peintres comme Le Caravage et Annibal Carrache que Rome, ennoblie par l'art de la Contre Réforme, va connaître une grande expansion vers 1600. Alors qu'à la fin du XVIe, le maniérisme s'enlise dans des exercices purement formel, Le Caravage revient au réalisme sans idéalisation . Il touche à beaucoup de domaines picturaux. Il est le pionnier dans certains d'entre eux. C'est à lui par exemple que l'on attribue la première nature morte autonome. Il est également connu pour ses scènes de genre. On trouve dans sa peinture beaucoup d'instruments de musique, ce qui est dû au goût de del Monte pour les petits concerts intimes.
Parfois il se sert lui-même de modèle, ce qui explique que les jeunes gens du Caravage aient un air de famille. Il innove aussi en s'intéressant à la peinture de chevalet et à la peinture à huile, qui répondent mieux aux désirs des commanditaires..."

Initiateur du clair-obscur, il donna son nom à un mouvement, le caravagisme, qui s'étendit à l'ensemble de l'Europe, particulièrement en Espagne et dans les Pays-Bas.





NARCISSE

LE CHRIST

DAVID - GOLIATH

LA MEDUSE


MARTYRE

SAINT JEROME

LE DOUANIER ROUSSEAU.....LE DOUANIER ROUSSEAU

Henri Julien Félix Rousseau dit le Douanier Rousseau, né le 21 mai 1844 à Laval et mort le 2 septembre 1910 à Paris, est un peintre français. Il reste le plus célèbre représentant des peintres naïfs.





Issu d'une famille modeste, il devient commis d'avocat à Nantes. Il s'engage dans l'armée peu après pour éviter les poursuites secondaires à un vol chez son employeur. Il est libéré en 1868 à la suite du décès de son père et rejoint alors Paris.

Il épouse en 1869 Clémence Boitard avec qui il aura sept enfants, dont un seul parviendra à l'âge adulte. Il entre, après la guerre de 1870, à l’Octroi de Paris, comme commis de deuxième classe. Cet organisme perçoit les taxes des marchandises entrant dans Paris. De là vient son surnom « le douanier ». Il débute alors sa carrière de peintre en autodidacte. Il obtient une carte de copiste au musée du Louvre, ce qui lui permet de se familiariser avec les chefs-d’œuvre. Son entrée dans la vie artistique est donc relativement tardive. Il tente sans succès d'exposer au Salon officiel en 1885 et c’est seulement en 1886 qu'il participe au Salon des Indépendants, grâce à l'absence de jury d'entrée. Il y expose plusieurs tableaux dont Une soirée au carnaval.


Henri Rousseau en 1902.Sa notoriété s'accroît avec les années et il continue de participer chaque année au Salon des Indépendants. En 1891, il y montre son premier « tableau de jungle », Surpris !, représentant la progression d'un tigre dans une brousse luxuriante. Cette œuvre est particulièrement appréciée par le peintre Félix Vallotton, parlant à son propos d'« Alpha et d'Oméga de la peinture ».

Sa femme meurt en 1888 et sa situation financière devient difficile. Il héberge un temps l'écrivain Alfred Jarry et il prend sa retraite de l'octroi en 1893 pour se consacrer à la peinture, ce qui ne lui apporte pas suffisamment de revenus pour vivre. Il donne alors des cours de violon et écrit plusieurs pièces de théâtre. Il se remarie en 1899 avec une veuve, Joséphine Noury.

Petit à petit, il se fait reconnaître et estimer par les peintres avant-gardistes tels qu'André Derain ou Henri Matisse. Il se lie d'amitié avec Robert Delaunay, avec Guillaume Apollinaire, puis avec Pablo Picasso.

Le 2 septembre 1910, il meurt de la gangrène à l’hôpital Necker à Paris.

JUDITH VU PAR LES PEINTRES




Le Livre de Judith, dont l'original en hébreu est perdu mais dont une version grecque a été retenue par le canon catholique (les protestants rejettent le livre).
L'épisode le plus célèbre est celui de Judith et Holopherne où l'héroïne juive séduit puis tue le général qui menace son peuple.
Nombre de peintres depuis la Renaissance y ont puisé un symbole de la femme libératrice ou castratrice selon le point de vue.


CARAVAGE

KLIMTARTESISIA GENTILESCHI

CHRISTOFANO ALLORI

Né dans une famille d'orfèvres et de joaillers, Miró devient comptable puis s'inscrit à l'Académie de Francesc Galí à Barcelone en 1912 pour y étudier la peinture. Vite attiré par la communauté artistique réunie à Montparnasse, il s'établit à Paris en 1920-1921, continuant à revenir à Montroig régulièrement. Il y rencontre Pablo Picasso, le mouvement Dada, et sous l’influence des poètes et écrivains surréalistes développe dès 1924 son style unique, une géographie de signes colorés et de formes poétiques en apesanteur, placée sous le double signe d'une fraicheur d'invention faussement naïve et de l'esprit catalan exubérant et baroque. Son travail, d'abord rejeté à Barcelone puis à Paris 1921, va évoluer depuis les paysages catalans à une peinture issue de l'irrationnel et de l'automatisme.

En 1926, il collabore avec Max Ernst aux décors de "Roméo et Juliette" du ballet russe de Serge de Diaghilev. La technique du « grattage » est alors expérimentée.

Miró épouse Pilar Juncosa à Palma de Majorque le 12 octobre 1929; leur fille Dolores nait le 17 juillet 1931.

L’un des plus radicaux théoriciens (et fondateurs) du surréalisme, André Breton, décrit Miró comme « le plus surréaliste d’entre nous », même si celui-ci rejette toute idée d'appartenance à un mouvement pictural entre deux-guerres. Miró exprime son mépris provocateur pour la peinture (au moins celle que l’on considère conventionnellement) et son désir de la tuer et de l’assassiner en faveur de nouveaux moyens d’expression dans de nombreux écrits et entrevues des années 1930.

La Guerre Civile espagnole éclate en 1936. Miró soutient les Républicains depuis Paris, et réalise la célèbre affiche "Aidez l'Espagne". La victoire de Franco en 1939 lui ferme la possibilité de retourner en Espagne jusqu'en 1942, et il reste à Paris puis Varengeville au début de la Seconde Guerre Mondiale. Revenu à Barcelone, il collabore avec Josep Llorens Artigas pour ses premières céramiques.

Shūzō Takiguchi publie la première monographie de Miró en 1940.

Il voyage pour la première fois aux États-Unis en 1947, pays qui lui voue déjà une grande reconnaissance, et réalise un panneau mural à Cincinnati, pour le Terrace Plaza Hotel. Il participe également cette année-là à l'Exposition internationale du surréalisme organisée par André Breton et Marcel Duchamp à la Galerie Maeght à Paris.

Joan Miró gagne en 1954 le prix de l’imprimé à la Biennale de Venise.

Il s'établit définitivement à Palma de Majorque en 1956.

En 1957, il devient Satrape du Collège de ’Pataphysique.

Les plus grands musées du monde lui consacrent alors des rétrospectives. Il réalise des illustrations, des lithographies et des sculptures monumentales pour la Fondation Maeght.

En 1959, il représente, à la demande de André Breton, l'Espagne lors de l'Exposition internationale du surréalisme, aux côtés de Enrique Tábara, Salvador Dalí, et Eugenio Granell.



Miró est nommé docteur honoris causa de l’université de Harvard en 1968, et de celle de Barcelone en 1979, ville où il crée en 1972 une Fondation Miró.

Dans ses dernières années, il s'emploie à utiliser divers moyens d'expression, produisant par exemple des centaines de céramiques, incluant le mur de la lune et le mur du soleil sur l’immeuble de l’UNESCO à Paris.

ANTIQUITES

CELTE
CELTE
http://images.imagehotel.net/tgoxk3r89x.jpg" alt="" />SCANDINAVE
CHIPRIOTE

PROCHE ORIENT
ETRUSQUE
ANTIQUITES :

VILLA DES MYSTERES A POMPEI et ses FRESQUES

CAFES...CAFES...CAFES...CAFES...CAFES...CAFES...CAFES
BRENTY HEIGHTON
CRIS CONSANIDIDIER LOURENCO
FABRICA DE VILLENEUVE ROY AVIS



DIANE MILLSAP

PARIS LA NUIT

La peinture on n'en parle pas,
on ne l'analyse pas,
on la sent. BERNARD BUFFET

Entré en peinture comme on entre en religion,
il a trouvé une terre d'asile, son atelier.
Qui de l'angoisse ou de la sérénité lui tiendra compagnie ?
Encore une question inutile ...
On parle toujours trop. ANNABEL BUFFET

T

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TITIEN


ALBERT BARTOLOME


JEROMBE BOSCH EXPULSION DU PARADIS

BRUEGHEL L'ANCIEN

HENDRIK GOLTZIUS
KLIMT


LUCAS CRANACH



TOMASCO MASACCIO



NICHOLAS DE VERDUN
RUBENS


TAMARA DE LEMPICKA


MICHEL ANGE CHAPELLE SIXTINE

BALTHUS







[b]Balthasar Kłossowski de Rola, dit Balthus, Paris, 29 février 1908 - Rossinière, Suisse, 18 février 2001, est un peintre figuratif français d'origine polonaise. Il est le frère de l'écrivain Pierre Klossowski.[/b



« La meilleure façon de commencer est de dire, Balthus est un peintre dont on ne sait rien. Et maintenant, regardons les peintures. » Telle est la réponse laconique que le peintre adresse à la Tate Gallery, qui, organisant une exposition de ses œuvres, souhaitait également agrémenter le catalogue de quelques éléments biographiques. Le « Roi des chats », titre d’un de ses autoportraits, a en effet toujours souhaité s’entourer d’une aura de mystère, ce qui a sans aucun doute contribué à occulter sa personnalité et son œuvre aux yeux du grand public.

Rare et discret, il l'est dès sa naissance, un 29 février 1908 à Paris ; un anniversaire qui fait aussi partie de la « légende Balthus » et que son « grand ami » Rilke ne manquait jamais de souhaiter d’une lettre. D'ascendance polonaise par son père, Erich Klossowski, historien de l’art, peintre et décorateur de théâtre, et russe par sa mère Baladine Klossowska (mais tous deux ressortissants prussiens), Balthus nait à Paris mais sa famille, du fait de ses origines, se réfugie en Suisse lors de la Première Guerre Mondiale. Ses parents se séparent peu après et Balthus passe son enfance dans la région de Genève, près de sa mère.











De son vrai nom Balthasar Klossowski de Rola, Balthus est né à Paris le 29 février 1908, dans une famille d'origine polonaise liée aux milieux artistiques et littéraires et passe sa jeunesse entre les villes de Berlin, Berne, Genève et Paris et ses vacances d'été au Beatenberg, dans la région du lac de Thoune, en Suisse, entre les années 1917 et 1927.



Il s'interresse très tôt au dessin et à la peinture. Totalement autodidacte, il réalise dès l'âge de 12 ans une série de dessins, et en publie un livre, encouragé par Rainer Maria Rilke, un ami de sa mère, préfacé par le poète, et édité en 1921, sous le titre "Mitsou le Chat".
C'est en 1924, qu'avec sa mère Baladine Klossowska, et sa famille liée à André Gide, André Derain et Pierre Bonnard qu'il vient alors s'établir à Paris où il restera jusqu'en 1954.



Paris, alors qu'il n'a que seize ans, est pour lui une ville d'un certain mystère, d'une étrangeté, d'une lumière particulière, avec des lieux, des personnages, des odeurs qui l'envoûtent et lui procure une sensation pénétrante de mélancolie, l'impression d'une certaine solitude et d'une absence existentielle, qui l'inspirent et dont il imprègnera ses premiers tableaux. Il écoute bien sûr les conseils qu' André Derain et Pierre Bonnard lui prodiguent, mais il se passionne aussi pour Nicolas Poussin, dont il s'exerce à copier les oeuvres au Louvre, telle que le fameux "Echo et Narcisse". Il est nostalgique de l'art du grand maître, mais aussi des personnages de Piero della Francesca ou de Masaccio et l'admirateur de Gustave Courbet.


Son "Jardin du Luxembourg" qu'il peint en 1927, où il figure des jeux d'enfants, révèle déjà cette étrangeté de la lumière, des couleurs et de l'attitude des personnages à laquelle il s'attache. "Le café de l'Odéon" en 1928 et "Les Quais" qu'il réalise en 1929, confirment cette vision énigmatique de la ville et de la solitude des êtres dans leur activité absente.
Une toile qu'il peint en 1929, et qu'il intitule "La Rue" illustre l'atmosphère de la Rue Bourbon le Château, à l'angle de la Rue de l'Echaudé. Un personnage main sur le coeur se dirige le regard absent vers le spectateur au milieu d'une rue baignée d'une lumière sépia, tandis que s'activent des passants qui semblent enfermés dans leur pensée ou dans leur destin.


Dès le début des années trente, il peint des portraits de jeunes filles, des groupes de figures et des paysages de la ville et quelquefois de la campagne, qui forment de grandes compositions, mais il en revient au thème de "La Rue" avec cette autre composition peinte en 1933, et qu'il montre pour sa première exposition à la Galerie Pierre en 1934.
Celle ci fait scandale, le révèle, et le fait connaître d'André Breton, ou de Jean Paul Sartre. Cette toile représente une rue dans laquelle des personnages évoluent avec leurs regards fixes et hypnotiques comme des automates, dans une existence séparée du monde. Il s'agit de la même rue que celle qu'il avait peint en 1929, et en partie des mêmes personnages absorbés par leur silence intérieur. Seuls des enfants donnent un semblant d'animation à cette toile figée : l'un semble montrer son interêt pour le jeu d'une balle écrasée sur le sol, tandis qu'un garçon aux yeux fermés saisit le main d'une adolescente dans un jeu où transparaît l'attrait d'une sexualité naissante.


Balthus manifeste dans cette toile cette indépendance qui l'opposera toujours au surréalisme qu'il considéra toujours être une faillite de l'art. Résolument figuratif, ses tableaux au fil des années représentent plus volontiers des scènes à la fois intimistes, insolites et érotiques, dans lesquelles, des jeunes filles, ou des personnages évoluent dans cette absence constante, repliée sur soi, et une pensée à la proie du rêve, du cauchemar ou de l' inconscient.
"Alice dans le miroir" en 1933, qui représente une jeune fille aux yeux aveugles, ignorant le regard de l'autre posé sur sa nudité innocente, ainsi que le portrait qu'il intitule "André Derain" en 1936, révèlent aussi que finalement, ce ne sont pas les êtres, ni les choses que Balthus peint, mais davantage, les rapports d'absences et de silences qui les lient, comme une dissolution tragique de la communication. Ce que l'on croit comprendre avec Balthus, c'est que tout individu est seul au monde.


" Thérèse Rêvant "en 1938, ou " Les Beaux Jours " en 1944, ou encore " Deux jeunes filles " en 1949 transcrivent une dimension supplémentaire dans l'oeuvre de Balthus. Il y a sans doute de l'érotisme dans ces toiles, mais l'abandon de ces jeunes filles dans le sommeil ou dans le miroir traduisent essentiellement la fuite et l'éloignement du monde, l'abandon à un bonheur perdu et inconnu que procure le rêve. Le symbolisme s'exprime dans la traduction d'un bonheur qui est là en soi, davantage qu'il n'est avec les autres. Il figure une quête nostalgique de paradis perdus dans le passé des rêves ou de l'enfance.


"Le Passage du Commerce Saint André " et par opposition " La Chambre" qu'il peint la même année en 1952, confirment cette démarche intellectuelle et quasi existentialiste de sa peinture. L'instant, la lenteur, le silence, la solitude, l'absence, le dérisoire dépeignent le théâtre du monde où le dedans s'éprouve dans le dehors. Ses composition méticuleusement travaillées, laissent la place à un sensation de vie entre la veille et le sommeil, comme l'expression de l'instant suspendu qui fige l'action dans son déroulement.


Là où beaucoup ne voyaient, qu'une peinture traditionnelle chez Balthus dominée par la gamme de couleurs ocres et terres, Antonin Artaud qui l'avait rencontré dès 1934, y voyait une "peinture de tremblement de terre" disait-il sous un calme factice. "Cette peinture tellurique sent la peste, la tempête et les épidémies", disait -il , et il reconnaissait en Balthus l'un des ses adeptes de son théâtre de la cruauté.


A partir des années 1950, la gamme de ses couleurs semble s'éclaircir à la faveur peut-être de son départ de Paris, pour aller vivre dans le Morvan à Chassy en 1954, et y retrouver peut être le contact avec la nature qu'il avait connu durant sa jeunesse lors de ses voyages en Suisse. On retrouve des oppositions de couleurs bleu et jaune et le vert et rouge, déjà vues quelquefois comme dans "Le Ceriser" en 1942 ou dans "Jeune fille en vert et rouge" en 1944, ou encore dans "La Partie de Cartes" en 1948, mais qui se développent pour donner des impressions d'automnes ensoleillés que traduisent si bien les paysages et la vie à Chassy tel que dans "Jeune Fille à la Fenêtre "en 1955.


En 1956, le Museum d'Art Moderne de New York organise une rétrospective de son oeuvre qui lui permet d'être dès lors totalement reconnu en opposition avec le développement de la peinture abstraite, et maître d'un retour attendu à l'expression figurative.
L'oeuvre du peintre, pour lui, comme l'expliquera son biographe Jean Clair, "c'est de refuser la boue", ainsi que le lui avait enseigné Rilke. "C'est tourner le dos à ce qui, dans l'art de notre époque, en croyant exprimer sa singularité, tire en fait l'être en arrière, et le ramène au magma".
Loin des modes, ne disait-il pas de lui même : "Je suis né dans ce siècle, mais j'appartiens bien davantage au XIXème siècle".


D'abord marié en premières noces à Antoinette Von Wattenwyl qui lui avait donné deux enfants, Stachou et Thadée, Balthus épouse en octobre 1967 Setsuko Ideta, dont il a une fille, Harumi.
Considéré à cette époque comme l'un des plus grands peintres réalistes de son temps, il prend la direction de la Villa Médicis à Rome, en 1971 par le souhait de son ami, le ministre André Malraux, et ce jusqu'en 1977 .


C'est alors qu'il se retire en Suisse dans son chalet vaudois de La Rossinière pour continuer à peindre de nombreux paysages ainsi que des scènes intimistes, tel que " Nu Assoupi " en 1980.
La réputation de Balthus va dès lors grandissant à partir de 1984, lors des grandes rétrospectives de Paris et New York, mais aussi par de régulières et importantes expositions au travers le monde jusqu'à être l'un des rares artistes à avoir été exposé au Louvre de son vivant.


Il avait été aussi l'ami de Miró, dont il avait fait le portrait en 1938, et avait été l'illustrateur par ailleurs de certains ouvrages littéraires tel que " Les Hauts de Hurlevent " pour une édition de 1935. Il avait aussi réalisé les décors de théâtre pour "La Peste " d'Albert Camus en 1949, ainsi que ceux de 'L'Ile aux Chèvres " d'Ugo Betti en 1952.


Décédé dans son Chalet de La Rossinière en pays de Vaud en Suisse le 18 février 2001, il laisse derrière lui une oeuvre totalement singulière de plus de 350 peintures connues à ce jour, de plus d'un millier de dessins et d'une cinquantaine de carnets de croquis.

Balthus ne se considérait pas comme un artiste mais comme "un travailleur", il disait l'"Art est un métier". "Depuis lontemps , la notion d'avant garde en peinture ne signifie plus rien. Les faux amateurs d'art, les spéculateurs achètent ce qu'ils ne savent pas déchiffrer, de peur de rater le coche. C'est le grand malentendu de l'art moderne. Ce phénomène a favorisé l'éclosion de la dictature de la non figuration, à laquelle s'opposent les dictatures expressionniste, surréaliste, minimaliste, non moins repoussantes et tout aussi prometteuses de réveils désagréables...Quand je peins, je n'essaie pas de m'exprimer, mais plutôt d'exprimer le monde" disait- il, (à Véronique Prat en février 1998 dans une interview au journal Le Figaro).

Le Monde des Arts

Le proxénète de la peinture
EXPOSITION PASCIN AU MUSEE MAILLOL

Le musée Maillol a réuni plus de 180 oeuvres de Pascin (1885-1903), véritable roi du Paris des Années folles depuis tombé dans l’oubli. Une magnifique exposition qui arrive à temps pour nous permettre de redécouvrir cet artiste outrancier et foisonnant, à la fougue contagieuse.

L’impitoyable caricaturiste

Lorsque Julius Pincas fuit le carcan familial bulgare, il atterrit à Munich. Au début du XXe siècle, la Bavière est le point de ralliement des artistes : c’est là-bas que se fonde “Le cavalier bleu” (“Der Blaue Reiter”), collectif d’expressionnistes sous la houlette de Klee ou Kandinsky. Pascin, lui, absorbe de l’expressionnisme cette vision subjective de la réalité qui restera une constante dans toute son oeuvre. Rapidement, ses talents le font entrer au journal Simplicissimus, dans lequel ses croquis satiriques lui font gagner sa vie. Pascin s’y fait vite remarquer par son humour noir et son impitoyable cruauté. Le dessin de presse est un débouché provisoire mais commun, on sait par exemple qu’un Duchamp travailla pour le journal anarchiste L’Assiette au beurre .



La ‘Femme allongée avec oiseau’ dénote une violence à la fois sémantique et visuelle. La femme lascive mais peu attirante subit le regard torve d’une bestiole vicieuse (qui n’a pas grand-chose d’un oiseau) dont l’aspect général inquiète. Ajouté au décalage créé avec le titre, qui laisse supposer un sujet naïf et romantique, l’effet est saisissant. A vingt ans, la finesse de sa technique et la violence de sa caricature permettent déjà de comparer Pascin au Goya des ‘Caprices’. Signalons au passage la fourberie de Pascin, qui signe par une anagramme : Scapin.


Pascin pas sain ?

Arrivé à Paris à la Noël 1905, Pascin se fond parfaitement dans le décor sans pour autant perdre de sa fougue. Au contraire : l’artiste se complaît dans l’outrance et multiplie les dessins où s’entassent vieillards libidineux, prostituées et monstres débauchés. Un monde en corrélation avec le sien : jouisseur, érotomane, Pascin reste le symbole de l’indescriptible bouillonnement de l’entre-deux-guerres. Et lorsque Hemingway raconte ce Paris, il choisit de parler de sa rencontre avec le “Prince de Montparnasse”, ivre, et deux de ses modèles dans un café

CENDRILLON

LA FEMME ALLONGEE ET L'OISEAU
LA TENTATION DE DEUX RELIGIEUSES

SAINTE ANNE, SAINTE MARIE, SAINTE APPOLINE et les autres.

DURER
ZURBARAN

VAN DER WEYDEN

AGNES GUISEPE DE RIBERA

FILIPPO

GERARD DAVID

LEONARD DE VINCI

MASOLINO

EL GRECO

JEAN HEY

LORENZO LOTTO

PICABIA