LE MUSEE : tous les arts.

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liens vers des artistes :

GALERIE :

http://www.piersidegallery.com/artists/pino/?gclid=CJGZrtjxx5UCFQQPuwodmEmBjQ

PINO

http://www.piersidegallery.com/artists/pino/?gclid=CJGZrtjxx5UCFQQPuwodmEmBjQ

Alexandra Nechita

http://www.piersidegallery.com/artists/nechita/

PERIODE BLEUE : LE TEMPS DES GALERES - AUTO-PORTRAIT









PERIODE ROSE ET CUBISME : L'ARTISTE est MONDIALEMENT CONNU






GUERNICA : le CHEF D'OEUVRE DES CHEFS-D'OEUVRE. Ce tableau représente la ville de GUERNICA (ESPAGNE) et les horreurs d'une guerre civile




PICASSO....PICASSO....PICASSO.....PICASSO......PICASSO

Prochainement, début octobre 2008, au Musée du Louvre (pas installé depuis 1966), au Musée d'Orsay, au Grand Palais à Paris.





LE CUBISME

Mouvement artistique, né en 1906-1907, qui rompt avec la vision naturaliste traditionnelle en représentant le sujet fragmenté : l'artiste le décompose en des plans géométriques inscrits dans un espace tridimensionnel sans profondeur. Le tableau de Picasso les Demoiselles d'Avignon (1907) marque traditionnellement la naissance du cubisme. On y décèle l'influence de Cézanne (selon qui "il faut traiter la nature par le cylindre, la sphère, le cône"), de la statuaire romane espagnole et de la sculpture d'Afrique noire. Les éléments constitutifs du vocabulaire graphique cubiste sont ensuite élaborés par Picasso, Braque et Gris (à partir de 1911), dont les recherches néo-cézanniennes (1908-1909) débouchent sur ce que l'on appelle le cubisme analytique (1910-1913) : plusieurs aspects d'un même sujet géométrisé, fragmenté, s'inscrivent simultanément dans l'espace. Le cubisme synthétique (1913-1914) voit la réduction du sujet à son essence et l'on a pu parler d'une véritable esthétique conceptuelle, surtout à propos de Gris, qui, partant du cylindre, fait une bouteille. Avec Léger, Delaunay, Gleizes, Metzinger, Marcoussis, La Fresnaye, Lhote, le cubisme a proposé, jusqu'en 1930 environs, des formes généralement restées plus proches de la nature et, par conséquent, plus lisibles.

Pour Van Gogh, les peintres cubistes vont exprimer leur idées et leurs sentiments par l'appui de la couleur et des lignes. Le seul tableau de Van Gogh que l'on pourrait considérer comme un des précurseurs du cubisme serait les livres peints en 1886. Cet amas de livres en apparence désordonnés symbolise la culture littéraire de Vincent. La composition de l'oeuvre obéit à un ordre plastique subtilement coloré, et composé uniquement de droites, ce qui fait d'elle une peinture presque abstraite. Cette toile est assez étonnante par rapport à la date à laquelle elle a été crée. Il s'agit d'une des oeuvres les plus audacieuses de Van Gogh. On ne peut tout de même pas affirmer que cette peinture a directement influencé les artistes cubistes, en effet, ceux ci se tourneront plutôt vers Picasso... Mais on voit là tout le génie de Vincent, et toute son originalité. Par contre pour ce qui est du cubisme, on retrouve dans ce mouvement les mêmes utilisations des couleurs que dans l'oeuvre de Van Gogh. Prenons par exemple, la toile de Picasso intitulée La femme qui pleure. On distingue bien ici l'opposition du vert et du rouge, qui donne un sentiment de drame. Il est fort possible que cette inspiration vienne des fauves, mais il est intéressant de noter qu'il y a une signification des couleurs. De même que Van Gogh, les peintres cubistes vont exprimer leur idées et leurs sentiments par l'appui de la couleur et des lignes.
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CITATIONS DE PABLO PICASSO

"Un tableau était une somme d’additions. Chez moi, un tableau est une somme de destructions."



"Dans chaque être humain vit une colonie entière."



"Je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je pense."

"Quand je n'ai pas de rouge, je mets du bleu."




"C'est dangereux le succès. On commence à se copier soi-même et se copier soi-même est plus dangereux que de copier les autres... c'est stérile."

LEHMANN, Carl Ernst Rudolf Heinrich Salem, dit Henri (Kiel, 1814 - Paris, 1882)
Peintre français, d’origine allemande (naturalisé en 1847)



Bien que de format différent, le portrait de Marie d'Agoult peut être considéré comme le pendant du portrait de Liszt, conservé dans le même musée.

Grand décorateur, portraitiste subtil et dessinateur de premier plan, Henri Lehmann est l'un des peintres les plus méconnus du XIXe siècle. Elève d'Ingres, il a souffert de l'ostracisme qui a frappé les innombrables artistes issus de cet atelier, à l'exception peut-être de Chassériau dont il se rapproche d'ailleurs par bien des aspects.

Né Allemand, Henri Lehmann arrive en France en 1831 et entre dans l’atelier d’Ingres. Il expose au Salon à partir de 1835 où il présente le Départ du Jeune Tobie (Hambourg, Kunsthalle), premier tableau d’un cycle qu’il poursuivra jusqu’en 1866. Etranger, il ne peut concourir pour le prix de Rome, et gagne à ses frais la ville éternelle en 1839. Il y rejoint Ingres, son maître, alors directeur de l’Académie de France, avec qui il entretient d'étroites relations : la muse derrière le compositeur Cherubini dans le portrait qu'Ingres peint en 1841-1842 (Paris, Louvre) est due au pinceau de Lehmann.

De nature mélancolique et insatisfaite, le peintre se lie à Rome avec Liszt et Marie d’Agoult, amitié qui engendra une longue correspondance. Souvent reproduite, l’effigie de Marie d'Agoult (Paris, Musée Carnavalet, ill. 1) ne représente qu’un aspect de l’art de Lehmann portraitiste. Dans certaines figures, il exacerbe les traits de ses modèles : avec leurs yeux immenses qui fixent le spectateur, les étranges physionomies de Madame Alphonse Karr (Minneapolis, Art Institute, ill. 2 ) ou de la Princesse Belgiojoso (localisation actuelle inconnue, ill. 3) sont une des postérités du portrait ingresque. On retrouve, presque poussée à la caricature, cette intensité d'expression dans les représentations d’Ophélie et d’Hamlet du Salon de 1846 (localisation actuelle inconnue).

LE CORBUSIER


NUITS MEXICAINES


VERA JERMOLAJEVA

KOLSTONY

KOLSTONY


MAX ACKERMANN


NICOLE SEBILLE


VERA JERMOLAJEVA


VERA JERMOLAJEVA


VERA JERMOLAJEVA





JOSEF ALBERS


JEAN PIERRE RAYNAUD


THEO DEN BOON


CLYFFORD STILL

KOLSTONY

M HANSEN

M HANSEN


AMADEO MODIGLIANI


MARC CHAGALL


ROMAN CIEZLEWICZ

PICASSO

KANDINSKY

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ESCHER LE PEINTRE DE L'IMPOSSIBLE




Maurits Cornelis Escher (17 juin 1898 - 27 mars 1972) est un artiste néerlandais, connu pour ses gravures sur bois, lithographies et mezzotintos, qui représentent des constructions impossibles, l'exploration de l'infini, et des combinaisons de motifs qui se transforment graduellement en des formes totalement différentes.

Son œuvre expérimente diverses méthodes de pavage en 2 ou 3 dimensions ou représente des espaces paradoxaux qui défient nos modes habituels de représentation. L'œuvre de Maurits Cornelis Escher a séduit de nombreux mathématiciens auxquels il se défendait d'appartenir. Il aimait à dire à ses admirateurs : « Tout cela n'est rien comparé à ce que je vois dans ma tête ! »























ESCHER LE PEINTRE DE L'IMPOSSIBLE

"Saint Eloi orfèvre" fut réalisé en 1449 et représente trois personnes dans une pièce étroite. Le miroir convexe (y cliquer, pour en obtenir un détail) permet d'apercevoir deux hommes qui regardent dans la boutique, comme nous. Le professionnel est en fait le patron des orfèvres.

DETAIL
Les fenêtres ouvertes de la boutique donnant sur la rue étaient un gage d'honnêteté car tout le monde pouvait vérifier le travail effectué. La présence de la balance était aussi un gage de rigueur car les mesures étaient différentes dans tous les pays d'alors engagés dans le commerce. Sur le comptoir de Saint Eloi on reconnait des monnaies de différents pays, des florins de Mayence, des angels anglais et des écus de Philippe le Bon.

Les époux sont richement habillés et portent des bijoux d'or. L'orfèvre est en train de peser une bague, ce qui était un travail courant.

Le miroir permet de voir des maisons typiques de Bruges; l'artiste peut ainsi nous montrer en même temps l'intérieur et l'extérieur de la boutique.

Petrus Christus travailla dans l'atelier de Jan van Eyck vers 1400 et a sans doute honoré son maître en plaçant ici le miroir . On peut penser que, comme lui, il s'est représenté dans le miroir, sous les traits du personnage au faucon.


Portrait d'une jeune fille

Gabriele Münter (1877 - 1962)

peintre allemande du mouvement expressionniste. Elle fut l'une des représentantes majeures de l'avant-garde munichoise au début du XXe siècle en tant que membre du mouvement artistique du Blaue Reiter (mouvement du Cavalier bleu).

ENFANT
AUTOMNE

Naissance - - 1431
Isola di Carturo
Décès 13 septembre 1506
Mantoue

Musée du Louvre. Jusqu’au 3 janvier 2009.



(Isola di Carturo, v. 1431 – Mantoue, 13 septembre 1506) est un peintre italien de la Renaissance qui a rompu définitivement avec le style gothique en plein milieu du XVe siècle sans se départir de cette attitude tout au long de sa vie.



Mantegna, deuxième fils d'un pauvre bûcheron nommé Biagio, naît à Isola di Carturo, près de Vicence en République de Venise. À l'âge de dix ans, il entre comme apprenti et fut adopté en 1442 par Francesco Squarcione, à la tête d'un important atelier à Padoue. Comme Pétrarque, son célèbre compatriote, Squarcione est passionné par la Rome antique : il voyage en Italie (ce qui n'est pas difficile parce qu'il habitait Padoue) et peut-être en Grèce, et forme une collection de statues, de bas-reliefs, de vases, etc. qu'il ouvre ensuite à qui voulait l'étudier et à partir de laquelle il fait lui-même des dessins. Ses élèves, autant que lui, participent aux œuvres qui lui sont commandées. Pas moins de 137 peintres et apprentis passent par son école, fondée vers 1440, et qui devient célèbre dans toute l'Italie. Mantegna est son disciple préféré. Squarcione lui apprend le latin et lui donne à étudier des fragments de sculpture romaine. Il maîtrise la perspective.

A l'âge de 17 ans, Mantegna quitte Squarcione. Plus tard, il affirmera que son ancien maître avait utilisé son travail sans le payer à sa juste mesure. Padoue attire des artistes de Vénétie mais aussi de Toscane et les œuvres de jeunesse de Mantegna sont très marquées par des peintres florentins tels que Paolo Ucello, Fra Filippo Lippi ou Donatello



Oculus en trompe-l'œil de la Chambre des Époux Andrea Mantegna






LE CHRIST


OCULUS TROMPE L'OEIL


LE CHRIST AU JARDIN DES OLIVIERS



MADONE (MARIE et LE CHRIST) ENTOUREE DES SAINTS


SAINT MARC

MANDALAS : sable

SIMONE MARTINI




Simone Martini, (homme) né entre 1280 et 1285 à Sienne, et mort à Avignon en 1344, est un peintre siennois, contemporain de Ambrogio Lorenzetti. Il utilise les techniques de la fresque et de la tempera sur bois.


Élève de Duccio, Simone Martini reste profondément influencé par l'œuvre de ce dernier, ainsi que par les sculptures de Giovanni Pisano et l'art gothique français.

Une de ses premières œuvres, reconnue par beaucoup comme son chef-d'œuvre est la grande fresque de la Maestà, réalisée en 1315 pour le Palazzo Pubblico de Sienne, et qu'il a restaurée lui-même en 1321, car l'œuvre était déjà très endommagée par l'humidité. Entre 1312 et 1318, il peint à Assise de nombreuses fresques de saints dont :

En 1317, son Saint Louis de Toulouse, commandité par Robert d'Anjou, reflète l'influence de l'art gothique. En 1319, il réalise le polyptyque de Sainte Catherine à Pise. En 1328, il peint la fresque du portrait équestre de Guidoriccio da Fogliano au Palazzo Pubblico de Sienne, sur le mur opposé à la fresque de la Maestà. En 1333, il signe L'Annonciation en collaboration avec Lippo Memmi, un autre peintre siennois.

Simone Martini arrive en France vers 1340 et en 1342 ; il peint le Christ retournant chez ses parents après s’être disputé avec les Docteurs, sujet très peu évoqué en peinture.

À Avignon, il se lie d’amitié avec Pétrarque et illustre un codex de Virgile annoté par le poète.


Il réalise également des fresques pour la cathédrale Notre Dame des Doms à Avignon : le tympan de la Bénédiction du Sauveur et la lunette de la Madone de l’Humilité, toutes deux très mal conservées et datant probablement de 1341.

Matteo Giovanetti, qui a peint les fresques du Palais des Papes d'Avignon, fit partie de l'école de Simone Martini.

Au XVe siècle, le sculpteur florentin Lorenzo Ghiberti nous informe que les Siennois considèrent alors Simone Martini comme leur meilleur peintre.








SOMMEIL DE SAINT MARTIN

LIEN SUR MA GALERIE D'ART :

http://my.artscad.com/A.nsf/Opra/SRVV-7JKDS6

Livre : 1er tome d'une série de quatre



Ce premier d'une série de quatre volumes De l'Art des fous a l'œuvre d'art est un préalable à la présentation raisonnée de la Collection Sainte-Anne.
Il pose la question des liens entre folie et création - même si cette discussion remonte à la nuit des temps. Cet ouvrage expose les outils, qu'ils soient philosophiques, psychiatriques, psychanalytiques ou artistiques, qui permettent d'avancer dans cette recherche de liens ou d'absence de liens entre maladie et génie. Quoiqu'il en soit, si les liens entre création et folie intéressent de façon permanente les acteurs du monde culturel et artistique, les œuvres issues des collections hospitalières et les artistes qui en sont les auteurs sont diversement perçus - parfois stigmatisés - selon les époques et selon les idéologies dominantes.
Un des objectifs de cet ouvrage est de redonner à ces œuvres comme à ces artistes une place qui leur est souvent interdite. L'autre objectif est de raconter l'histoire singulière de la constitution de la Collection Sainte-Anne. Cette Collection hospitalière, tout à fait remarquable par son nombre, sa diversité et sa qualité, sera par la suite présentée chronologiquement dans trois autres ouvrages. Ce repérage historique montrera à quel point certaines œuvres de la Collection s'inscrivent non pas dans une histoire marginale, mais bien dans l'histoire de l'art contemporain.
C'est peut-être ce que Jean Dubuffet voulait dire en déclarant : "Le vrai art, est toujours là où on ne l'attend pas".

DIDIER HEROUX : INFOGRAPHISTE

http://www.galerie-3d.net




L'amphore et le dauphin


Couleurs de l'Automne


Le couple


Mots de la culture

PEINTRES ACTUELS


DELAHAUT JO sérigraphie




Josué Saintyl





Lombardo



Delphine Riffard


André Quétard - Orléans

C. Desiades. Lavandes


C. Desiades



Corine Schindler


Laurent Vauxion - Habitat en Sologne

Muriel Bonnier


Nita Bertaudière : le bol bleu.

Nita Bertaudière: les chaises


Isabelle Sauvage

Isabelle Sauvage : c'est étrange ! dit l'ange


Isabelle Sauvage -Demain est un autre jour

Isabelle Sauvage - Femme à la côte de mailles

Isabelle Sauvage - Les Vestales

Isabelle Sauvage - l'Orientale

Suzanne Knoepflin

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Liens vers une journaliste de Marie Claire parlant de Frida Khalo.

VIDEO montrant des oeuvres de cette immense peintre mexicaine

http://www.terrafemina.com/?option=com_emissions&eid=281